Der Cariñosa‑Tanz auf den Philippinen

Zusammenfassung. Der Cariñosa ist ein beliebter philippinischer Tanz der Höflichkeit, geprägt durch spanischen Einfluss und regional lokalisiert. Er wird mit Fächer und Taschentuch zu wiegenden 3/4-Taktschlägen getanzt und vermittelt spielerisches Werben, Bescheidenheit und gesellschaftliche Anmut. Heute sieht man ihn in Schulen, bei Dorffesten und Kulturveranstaltungen – oft in einem María Clara-Kleid oder Barong Tagalog. Dieser Leitfaden erklärt seine Geschichte, Musik, klassische Figuren, regionale Varianten und wo man ihn heute erleben kann.

Schnelle Fakten

Ursprung/Region Höfischer Werbetanz mit spanischem Einfluss, auf den tief kultivierten christlichen Ebenen der Philippinen filipinisiert, frühe Dokumentation verweist auf Panay und die Visayas-Luzon-Verbreitung.
Musik/Ensemble Rondalla-Ensemble: typischerweise Bandurria, Laud, Gitarren, Bajo de Uña (Bass); gespielt im 3/4-Takt mit eleganten, gesangsähnlichen Melodien.
Takt/Formgefühl Dreivierteltakt (3/4), moderates Tempo mit sanftem Schwung („lilt“), geeignet für fließende Gehschritte und kokette Gesten.
Kostüm Frauen: María Clara-Gewand oder Patadyong Kimona. Männer: Barong Tagalog oder Camisa de Chino mit Anzughose. Requisiten: Fächer und Taschentuch.
Typischer Kontext Schulprogramme, Stadt- und Dorf­fiestas, kulturelle Schauveranstaltungen, Wettbewerbe und Diaspora-Kultur­events.
Schwierigkeitsgrad Einsteigerfreundliche Schritte mit mittlerer Koordination für Figuren und Requisiten­einsatz. Betonung liegt auf Ausdruck und Timing statt auf Athletik.
Auch bekannt als Werbedanz der Ebenen, spanisch beeinflusster Volkstanz, der filipinisiert wurde.

Ursprünge & Geschichte

Der Cariñosa gehört zur Familie spanisch beeinflusster Tänze, die auf den Philippinen übernommen und adaptiert wurden. Die National Commission for Culture and the Arts stellt fest, dass die Tanz- und Musikformen auf den Philippinen nach europäischen Vorbildern gestaltet wurden, und nennt explizit den Cariñosa zusammen mit Balitao, Pandanggo, Polka, Dansa und Rigodón. Diese Einordnung zeigt die stilistischen Wurzeln im kolonialen Kontakt, zugleich erkennt sie die Lokalisierung durch die Filipinos an.

Forscher der nationalen Identität beschreiben den Cariñosa als ein herausragendes Beispiel für eine koloniale Tanzform, die „filipinisiert“ wurde. In diesem Blick trägt die Tanzstruktur äußerlich iberische Züge, doch Bedeutung und sozialer Gebrauch sind deutlich philippinisch: Bescheidenheit, Werberitual und spielerische Verfolgung werden über Requisiten, Raumgestaltung und Gemeinschafts­aufführung inszeniert. Im Gegensatz zum eher ländlich geprägten Tinikling steht der Cariñosa für urbanere und flachländische Einflüsse, die Teil des nationalen Repertoires wurden.

Historische Quellen zeigen eine frühe Beliebtheit in Panay und den Visayas, bevor der Tanz über Schulen und Gemeinde­feiern nach Luzón und darüber hinaus verbreitet wurde. Im 20. Jahrhundert unterstützten öffentliche Bildung, Lehrerausbildung und formalisierte Volks­tanzcurricula die landesweite Verbreitung. Die Pionierarbeit von Francisca Reyes Aquino trug maßgeblich dazu bei, Volks­tänze als Schulfach und öffentliches Bühnenkunstwerk zu etablieren.

Gegen Ende des 20. und zu Beginn des 21. Jahrhunderts wurde der Cariñosa breit in Schulen gelehrt und bei Festivals sowie kulturellen Diplomatie-Veranstaltungen gezeigt. Er etablierte sich als erkennbares Symbol philippinischer Anmut und guter Manieren in Bewegung – häufig aufgeführt neben Werken wie dem Rigodón de Honor, der Pandanggo sa Ilaw und dem Tinikling.

Musik & Instrumente

Der Cariñosa wird zum Tanz in Dreivierteltakt (3/4) aufgeführt. Der rhythmische Ablauf schwingt sanft mit Betonung auf den ersten Schlag, danach eine leichte Bewegung über den zweiten und dritten Schlag hinweg. Diese Musik unterstützt Gehschritte, kurvige Annäherung, Drehungen und versteckte Blick- oder Gesichts­revelationen hinter einem Fächer oder Taschentuch.

Als Begleitung dient häufig eine Rondalla-Besetzung: Bandurria und Laud für Melodie und Gegen­melodie, Gitarren für Harmonie und rhythmischen Antrieb, der Bajo de Uña für das Fundament. Der helle Klang und die prägnante Artikulation des Ensembles passen zur zarten Phrasierung des Tanzes. Melodien folgen typischerweise 8- oder 16-Takte-Perioden mit klaren Kadenzpunkten, was mit den Tanzfiguren und Partner­austauschen korrespondiert.

Da der Cariñosa Teil eines spanisch-abgeleiteten Repertoires ist, weist seine musikalische Sprache Verwandtschaft mit Formen wie Balitao und Pandanggo auf. In der Aufführung wählen Ensembles gelegentlich Stücke, die lyrische Linien und markante End-Punkte betonen, damit Tänzerinnen und Tänzer ihre Fächer- oder Taschentuchgesten mit musikalischer Punctuation synchronisieren können.

Schritte & stilistische Merkmale

  • Dreivierteltaktiges Gehen und Wiegen. Die Schritte erfolgen fließend über die Zählung 1-2-3 mit subtiler Kniebeugung. Der Bewegungs­charakter ist eher schwebend als perkussiv und passt zum Funkeln der Rundalla-Instrumente.
  • Requisiten-Spiel, Bescheidenheit und Flirt. Der Fächer und das Taschentuch strukturieren die Werbe­geschichte. Die Partnerinnen und Partner verstecken, enthüllen und locken mit kleinen Arm- und Kopfbewegungen, was Schüchternheit und spielerische Verfolgung suggeriert.
  • Kurvige Wege und höflicher Abstand. Tänzerinnen und Tänzer zeichnen Halbkreise oder Achtformen. Der Abstand variiert zwischen höflicher Distanz und kurzzeitiger, koketter Annäherung, ohne jedoch die Etikette zu verletzen.
  • Weiche Port de Bras. Die Arme heben sich und schwingen, die Handgelenke bewegen sich zart, alles koordiniert mit Atem und Musik­phrasierung. Der Fächer wird oft als Schleier positioniert, bevor er zur richtigen Zeit enthüllt wird.
  • Unter­spielte Drehungen. Spotting und sanfte Pivots akzentuieren Kadenzpunkte. Das Ziel ist Kontrolle, nicht Geschwindigkeit.
  • Gesichtsausdruck und Blickführung. Der Blick und die Mimik sind wichtig. Ein schneller Blick über den Fächerrand oder ein Lächeln im Moment der Kadenz vollendet den narrativen Ton.

Lehrende bieten häufig eine klassische Sequenz mit acht Figuren, damit Anfänger klare Einheiten lernen können. Die Namen und Details variieren je nach Region oder Schule. Ein repräsentatives Set könnte wie folgt aussehen (jede Figur dauert in der Regel eine oder zwei musikalische Phrasen):

  1. Drei Schritte und Spitze. Gehen über drei Zählzeiten, danach eine präzise Spitze (Zeh anheben oder richten) zur Markierung der Kadenz, meist in Richtung des Partners.
  2. Versteck-und-Such mit Fächer. Der Fächer wird angehoben, um einen Teil des Gesichts zu verbergen, dann bei der Kadenz heruntergenommen zur Enthüllung. Partnerschaftsweise Annäherung und Rückzug wechseln sich ab.
  3. Taschentuch-Teasing. Ein kleines Taschentuch wird zwischen den Händen weitergegeben; Gesten rahmen ein Einladen, ohne physischen Kontakt.
  4. Kreuzschritt-Verfolgung. Kreuzende Schritte führen diagonale Wege, während einer der Partner voranschreitet und der andere zurückweicht, respektvollen Abstand wahrend.
  5. Verbeugung und Bogen. Am Ende der Phrasen erfolgen höfliche Verbeugungen oder Bögen, oft synchronisiert mit einem Fächer­wirbel oder Taschentuch-Sweep.
  6. Spiegel-Gänge. Die Partner führen spiegelgleiche Schritte aus, stimmen Timing und Niveau ab, was zunehmende Beziehung andeutet.
  7. Sanfter Dreh und Präsentation. Eine kontrollierte Drehung endet in einer offenen Präsentation: Fächer erhoben, Blick auf den Partner gerichtet.
  8. Abschließender Saludo. Abschieds­verbeugungen oder Curtsies besiegeln den Austausch mit öffentlicher Anerkennung.

Kostüm & Bühnenbild

Typischerweise trägt die Frau ein María Clara-Gewand, bekannt für seinen Panuelo-Kragen, Glockenärmel und den langen Rock. In Schul- oder Regionalversionen kann stattdessen ein Patadyong Kimona-Ensemble erscheinen, das den Alltagstyp der Visayas reflektiert, während die Eleganz der Tanzform bewahrt bleibt. Der Mann trägt einen Barong Tagalog (transparentes, besticktes Hemd) oder eine einfache Camisa de Chino, kombiniert mit Hose und eleganten Schuhen.

Requisiten sind integraler Bestandteil. Ein Fächer und ein Taschentuch fungieren als narrative Werkzeuge, nicht nur als Accessoires. Die Tänzer koordinieren deren Einsatz mit Atmung und musikalischer Struktur: Der Fächer wird bei der Kadenz gehoben, das Gesicht damit verdeckt, dann zum Offenbaren und zur Blickführung gesenkt. Die Beleuchtung bleibt weich und warm, das Bühnenbild minimal, sodass Gesten und Accessoire-Bewegungen klar vom Publikum wahrgenommen werden können.

In schulischen oder stadtorientierten Aufführungen sind die Formationen oft einfache Linien oder Bögen. Bei größeren Ensembles wählen Regisseure Schachbrett-Muster für Paare, um Sichtlinien zu bewahren und die intime Atmosphäre des Tanzes trotz größerer Größe zu erhalten.

Varianten & Interpretationen

Der Cariñosa ist keine starre Choreografie. Regionale Praxis und Schulinternate führen unterschiedliche Details ein, während das zentrale Thema des Werbens beibehalten wird. Die folgenden Varianten sind häufig in Feldbeschreibungen und Lehrmaterialien hervorgehoben und illustrieren die lebendige Natur des Tanzes in verschiedenen Gemeinden:

  • Bikol-Zwei-Taschentuch-Variante. PartnerInnen benutzen zwei Taschentücher, was komplexere Handmuster während der Annäherungs- und Rückzugspassagen ermöglicht. Der zusätzliche Stoff erlaubt gespiegelte Rahmen und Kreuz-Pässe, die Bescheidenheit und Spiel betonen.
  • Visayanischer „Haare-kämmen“-Gestus. Manche Versionen in den Visayas fügen einen kurzen Mimen-Geste hinzu, bei dem die Frau sich symbolisch die Haare kämmert – ein spielerisches Zeichen der Selbstpräsentation vor der Enthüllung. Diese Geste fällt typischerweise auf eine Kadenz, um mit dem Fächer-Timing übereinzustimmen.
  • Schul-Suite-Adaptionen. Regisseure integrieren den Cariñosa manchmal in eine größere Suite spanisch-beeinflusster Tänze mit Rigodon und Pandanggo, passen Ein- und Ausgänge musik-konsistent an und zeigen Übergänge der Requisiten.
  • Rondalla live versus aufgezeichnete Tracks. Live-Rondalla belebt die Artikulation und ermöglicht reaktive Phrasierung; aufgezeichnete Musik bietet in großen Klassen gleichbleibende Bedingungen. Beide behalten 3/4 und melodische Linien bei.
  • Diatronische Lehrentscheidungen. Einige Lehrkräfte vereinfachen zunächst die acht Figuren für Anfänger, dann bauen sie jene komplexeren Fächer-/Taschentuch-Spiele ein, wenn Rhythmus, Blickführung und Abstand internalisiert sind.

Über all diese Varianten hinweg bleibt die Ethik der Höflichkeit unverändert. Der Cariñosa drückt Anziehung mit Zurückhaltung aus. PartnerInnen zeigen Selbstbeherrschung, Humor und Timing, weniger direkten Körperkontakt – ein sozialer Code, den das Publikum erkennt und feiert.

Wo man ihn heute erleben kann

  • Schulen und Universitäten. Der Cariñosa ist Bestandteil von Sportunterricht und Kulturshops, oft als Einstieg in den Volkstanz verwendet. Lehrende heben seine Rolle in der Identitäts- und Gemeinschaftsbildung hervor.
  • Stadt- und Dorffeste sowie Bürger-Kultur-Festivals. Gemeinde­bühnen zeigen den Cariñosa nebeneinander mit anderen Volkstanzklassikern. Die Musik kann live von einer Rondalla gespielt werden oder aufgezeichnet sein, je nach lokalen Ressourcen.
  • Kulturelle Gruppen der Diaspora. Filipino-Vereine, Jugendorganisationen und Erbe-Programme im Ausland lehren Cariñosa, um jüngere Generationen mit dem kulturellen Erbe zu verbinden – oft mit zweisprachigen Unterrichtsplänen.
  • Wettbewerbe und kulturelle Tanz-Suites. Ensembles integrieren den Cariñosa in gemischte Programme, um Eleganz, Musikalität und narrative Nutzung von Requisiten zu demonstrieren – als stilistischen Kontrast zu sportlicheren Nummern.

Häufige Missverständnisse

  • Mythos. „Der Cariñosa ist der offizielle Nationaltanz der Philippinen.“ Korrektur. Es existiert kein Gesetz, das den Cariñosa als offiziellen Nationaltanz erklärt.
  • Mythos. „Präsident Ferdinand Marcos erklärte den Cariñosa zum Nationaltanz.“ Korrektur. Weder Marcos noch eine andere Regierung haben eine solche formelle Erklärung abgegeben.
  • Mythos. „Der Cariñosa ersetzte den Tinikling als Nationaltanz.“ Korrektur. Keine der beiden Tänze besitzt gesetzliche Anerkennung als Nationaltanz, obwohl beide symbolische Bedeutung haben.

Praktische Erkennungs-Tipps

Wenn Sie mit Volkstänzen wenig vertraut sind, helfen Ihnen diese schnellen Hinweise, den Cariñosa auf einen Blick zu erkennen:

  1. Takt. Hören Sie auf das elegante leichte “Wippen” im 3/4-Takt. Zählen Sie ruhig „1-2-3“ unter einem leichten Geh­schritt.
  2. Requisiten. Achten Sie auf einen Fächer und ein Taschentuch, die Versteck-und-Enthüll-Gesten und ein Spiel von Blicken und Bewegung steuern.
  3. Kostüm. Das María Clara-Gewand bei Frauen, Barong Tagalog oder Camisa de Chino bei Männern – klassisch-elegant und in sanften Farben, passend zur Musik.
  4. Bewegungsqualität. Fließende Gehschritte, sanfte Drehungen, gekrümmte Wege, höflicher Abstand. Nicht große Sprünge oder akrobatische Hebungen.
  5. Ausdruck. Eine schüchterne Annäherung, ein koketter Blick, dann Anerkennung. Die Geschichte ist eine Anziehung mit Zurückhaltung.

Lern-Fahrplan

Beginnen Sie mit dem Musikgefühl. Summen Sie die Dreivierteltakt-Bewegung und üben Sie ruhiges Gehen im „Drei-Zähl“. Danach fügen Sie den „Drei Schritte und Spitze“-Teil hinzu. Als Nächstes lernen Sie eine einfache Fächer­reveal am Ende einer musikalischen Phrase. Sobald das flüssig ist, üben Sie vier klassische Figuren und fokussieren Blickführung und Timing. Zum Schluss integrieren Sie das Taschentuch und üben die Verbeugungs- und Abschlussfiguren. Dieser Ablauf unterstützt Anfänger dabei, Kontrolle und Erzählfähigkeit schrittweise zu entwickeln – ohne überfordert zu werden.

Kulturelle Bedeutung heute

Forscher argumentieren, dass Tänze wie der Cariñosa mehr tun als bloße Unterhaltung. Sie vermitteln Normen, Werte und nationale Narrative durch gemeinschaftliche Teilnahme. In Schul- und Jugendprogrammen fördert das Tanzen von Volksformen Identität, soziale Bindung und Wertschätzung kultureller Herkunft. Die höfliche Intimität und musikalische Anmut des Cariñosa machen ihn im Unterricht zu einem hilfreichen Vehikel für Teamarbeit und Kultur-Alphabetisierung.

Auf nationaler Ebene lesen Akademiker den Cariñosa als Teil eines Repertoires, das koloniale Erbschaften und lokale Handlungsmacht aushandelt. Im Gegensatz zur Tinikling, die ländliche Symbolik trägt, hebt der Cariñosa mit eleganten Höflichkeits-Codes einen anderen Strang philippinischer Identität hervor – einen, der fremde Formen aufnahm, aber sie nach lokalen sozialen Normen und Ästhetiken umgestaltete. Diese doppelte Lesart erklärt, warum beide Tänze weiterhin im nationalen und internationalen Rahmen präsent sind.

Literaturhinweise

  1. Philippine Folk Dance through the Eyes of the Maloleño Youth. European Academic Research, Bulacan State University, 2015. http://euacademic.org/UploadArticle/1788.pdf
  2. Students’ Personal Experiences and Interest in Philippine Folk Dance: Basis for Dance Program Intervention. Journal of Education and Human Resources, 2020. https://ejournal.upi.edu/index.php/JEHR/article/view/23377
  3. Westernized Musical Traditions in the Philippines. National Commission for Culture and the Arts, 2002. https://ncca.gov.ph/about-culture-and-the-arts/performing-arts/music/ | https://web.archive.org/web/20231015070112/https://ncca.gov.ph/about-culture-and-the-arts/culture-profile/performing-arts/music/
  4. National Identity in Philippine Folk Dance: Changing Focus from the Cariñosa to Tinikling. Springer, 2021. https://doi.org/10.1007/978-3-030-71083-5_10
  5. Dancing National Identity: The evolution of meta-narratives in Colombian and Filipino folk dance. Dance Research Aotearoa, 2023. https://natlib.govt.nz/records/52532023
  6. Appreciating Philippine Folk Dances: The Cariñosa, Binatbatan, and Tinikling (PASSOC Lesson Plan). PASSOC Project, York University and Canadian Heritage, 2017. https://passocproject.com/carinosa-the-dance-of-love/ | https://web.archive.org/web/20231101081412/https://passocproject.com/carinosa-the-dance-of-love/