Irischer Tanz

Zusammenfassung. Irischer Tanz verbindet jahrhundertealte Volkstradition mit moderner Bühnentechnik und Wettbewerb. Du erfährst, was die Hauptstile ausmacht, wie Schritte, Musik und Schuhe zusammenspielen, warum Kostüme so aussehen wie sie aussehen und wo man das heute sehen oder selbst ausprobieren kann. Wir trennen Legende vom belegten Befund und verweisen auf verlässliche Quellen für ein vertieftes Studium.

Kurzinformationen

Ursprung/Region	Irland und irische Diasporagemeinschaften, geprägt von lokalen Gesellschaftstänzen, europäischen Set-Figuren und kulturellen Bewegungen des 19. und 20. Jahrhunderts.
Musik/Ensemble	Reels, Jigs, Hornpipes, Polkas, Slip Jigs. Fiddle, Flöte, Tin Whistle, Akkordeon, Uilleann Pipes, Bodhrán, Klavier- oder Gitarrenbegleitung.
Takt/Feeling	Reel in 4/4 mit antreibenden, gleichmäßigen Pulsen; Jig in 6/8 mit schwingenden Triolen; Hornpipe in punktiertem 4/4 mit Swing; Slip Jig in 9/8 mit anmutigem Lilt.
Kostüm	Moderne Wettbewerbs­kleider mit keltischen Motiven; für Männer taillierte Hemden oder Westen; Perücken bei Mädchen häufig; spezielle Hard- und Softshoes für Klang und Sprungkraft.
Typischer Kontext	Feiseanna (Wettbewerbe), Céilí-Sozialtänze, Set-Dance-Treffen, Bühnenshows, Festivals, Paraden, Universitätsclubs und Kulturzentren.
Schwierigkeitsgrad	Bei Céilís anfängerfreundlich. Die technische Spitze ist im Stepdance hoch: präzise Haltung, exakte Rhythmik und athletische Höhe.
Auch bekannt als	Step Dancing, Céilí Dancing, Set Dancing, Sean-nós (improvisiert, bodennah). Dies bezeichnet unterschiedliche Substile, keine Synonyme.

Ursprünge & Geschichte

Frühe irische Gemeinschaften tanzten bei jahreszeitlichen Festen und an Dorfgabelungen rhythmische Gruppentänze. Mythen verorten die Anfänge bisweilen in druidische Rituale, doch die belegte Überlieferung zeigt eine allmähliche Entwicklung, geprägt von gesellschaftlichem Leben, reisenden Tanzlehrern und breiteren europäischen Moden.

Im 18. und frühen 19. Jahrhundert lehrten wandernde Tanzmeister Dorfbewohner Schritte, Haltung und Etikette. Unterricht in kleinen Räumen – teils auf Tischen oder Türen – begünstigte kompaktes Fußwerk und aufrechte Haltung. Viele regionale Step-Traditionen gehen auf diese Meister zurück.

Europäische Quadrillen und Country-Dance-Figuren kamen durch sozialen Austausch und militärische Präsenz. Diese Muster begründeten das Set Dancing in Irland: Figuren für Paare in einer quadratischen Formation. Die Iren passten die Formen an und ergänzten einheimische Rhythmen, Step-Technik und musikalische Vorlieben.

Ende des 19. Jahrhunderts prägten Nationalismus und kulturelle Erneuerung den Tanz. Die Gaelic League förderte Sprache und Künste, unterstützte formalen Unterricht und die Kodifizierung als „irisch“ verstandener Tänze. Frühe Feiseanna – wettbewerbliche Kulturfeste – verbreiteten sich rasch und etablierten öffentliche Bewertungsrahmen.

Im frühen 20. Jahrhundert wurden Céilí-Tänze für die Gruppen­teilnahme choreografiert und standardisiert, während das solistische Stepdance in Haltung und Technik stärker formalisiert wurde. Debatten um Authentizität wurden in Zeitungen, Schulen und Festivals geführt, als Organisatoren lokale Praktiken schützen und einen nationalen Stil definieren wollten.

Regelungen der Mitte des Jahrhunderts beeinflussten Räume und soziale Gewohnheiten des Tanzes. Das Dance Halls Act von 1935 im Irischen Freistaat verlangte Genehmigungen für öffentliche Tänze und verlagerte Zusammenkünfte in lizenzierte Lokale. Das ungezwungene Tanzen an Wegkreuzungen ging zurück, doch Céilís, Set-Treffen und Wettbewerbe setzten sich fort und passten sich an.

Seit den 1970er-Jahren befeuerten neues Interesse an traditioneller Musik und Tanz eine Wiederbelebung des Set Dancing und älterer Step-Stile. Kulturorganisationen förderten Sessions, Kurse und Festivals; zugleich nahm das wettbewerbliche Stepdance an Athletik und Präsentation zu.

Die 1990er brachten einen globalen Aufschwung. Riverdance und später Lord of the Dance präsentierten irischen Tanz als Bühnen­spektakel, das traditionelle Schritte mit neuer Szenerie, Orchestrierung und Ensemble-Choreografie verband. Tourneen, Fernsehen und Internet erweiterten das Publikum und inspirierten weltweit Lernende.

Heute ist irischer Tanz ein Netz lebendiger Traditionen: Dorfsätze, soziale Céilís, solistisches Stepdance in Schulen und Meisterschaften sowie großformatige Bühnenshows. Er wird von Menschen unterschiedlichster Hintergründe in und weit über Irland hinaus praktiziert.

Weiterführende Lektüre: Zu Kulturpolitik und Identitätsdebatten im irischen Tanz des 20. Jahrhunderts siehe grundlegende Studien führender Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler.

Legendencheck. Die populäre Erzählung, steife Arme seien angenommen worden, um sich vor Behörden zu verbergen, ist historisch nicht belegt. Aufrechter Oberkörper und begrenzte Armarbeit spiegeln stilistische und pädagogische Entscheidungen wider, die im Wettbewerbsbereich Standard wurden.

Beleglage. Feiseanna entstanden im späten 19. Jahrhundert im Umfeld der Erneuerungsbewegung und entwickelten sich zu modernen Meisterschaften. Haltung und Technik im Stepdance wurden von Lehrern und Kommissionen geprägt, während Set- und Céilí-Formen die soziale Teilhabe im Zentrum behielten.

Musik & Instrumente

Irischer Tanz basiert auf bestimmten Tanz-Gattungen. Reels im geraden 4/4 treiben das Fußwerk mit schneller, kontinuierlicher Bewegung an. Double Jigs in 6/8 erzeugen durch Triolen ein federndes Gefühl. Slip Jigs in 9/8 wirken anmutig und schwebend und werden oft in Softshoe-Solos gezeigt. Hornpipes im punktierten oder „geswingten“ 4/4 bevorzugen prägnante, akzentuierte Rhythmen für Hardshoe-Schläge. Polkas und Barndances fügen regionalen Farbton hinzu, besonders im Set Dancing.

Typische Ensembles kombinieren Melodieinstrumente mit rhythmischer Begleitung. Fiddle und Flöte führen die Melodien; Tin Whistle oder Akkordeon bringen Brillanz; Uilleann Pipes liefern einen tragenden, „reedigen“ Klang; das Bodhrán sorgt für den perkussiven Puls. Klavier oder Gitarre stützen mit Akkorden und Bassmustern. In Bühnenshows sind große Bands und orchestrale Texturen verbreitet, doch traditionelle Formverläufe leiten weiterhin die choreografische Phrasierung.

Für Tänzer bedeutet Timing mehr als „im Takt bleiben“. Choreografie richtet Schrittmuster an Phrasen, Kadenzen und Formteilen wie A- und B-Abschnitten aus. Hornpipe-Schritte können punktierte Rhythmen durch Heel Clicks und Trebles artikulieren. Slip Jigs laden zu längeren Reisephrasen und luftigen Linien ein. Set-Figuren folgen Wiederholungen der Melodie und rahmen Eintritte, Breaks und Schlüsse.

Softshoes, bei Frauen Ghillies, bei Männern Reel Shoes, betonen Leichtigkeit, gestreckte Fußspitzen und gekreuzte Linien. Hardshoes mit Spitzen und Absätzen aus Glasfaser oder Harz erzeugen hörbare Muster, die sich mit der Musik verzahnen. Diese Klänge sind kein generisches Geräusch, sondern bewusst gesetzte Akzente, die Melodie und Groove spiegeln und kommentieren.

Schritte & stilistische Merkmale

• Aufrechter Oberkörper. Der Rumpf bleibt angehoben und ruhig, während die Füße komplexe Rhythmen ausarbeiten. Ein Kennzeichen des wettbewerbsorientierten Stepdance, gestützt durch Unterricht seit der Tanzmeister-Tradition und frühen Kodifizierungen des 20. Jahrhunderts.
• Präzises Fußwerk. Auswärtsdrehung, Kreuzung und gestreckte Fußspitzen werden von Anfang an trainiert. Softshoe-Reels und Slip Jigs zeigen verlängerte Linien und schnelle Reisepassagen.
• Hardshoe-Rhythmen. Trebles, Stamps und Heel Clicks bilden eine perkussive Schicht zu Hornpipes und Reels. Ziel ist ein Gleichgewicht von Lautstärke und Klarheit, damit das Muster musikalisch lesbar bleibt.
• Sprungkraft und Höhe. Wettbewerbs-Choreografien enthalten oft hohe Sprünge und enge Landungen, die Kraft vermitteln, ohne die Ausrichtung zu verlieren. Bühnenshows treiben diese Athletik für visuelle Wirkung weiter.
• Céilí- versus Set-Technik. Céilí-Fußarbeit wird oft als „ballet up“ (nach oben anhebend, mit Fußspitze) beschrieben, während Set Dancing eher „flat down“ (bodennah, flacher) ist. Beides betont Teamwork und Figuren.
• Sean-nós und Old-Style Step. Sean-nós ist improvisiert, bodennah, mit entspannten Armen und persönlichem Swing. Old-Style Step bewahrt frühere Soloformen der Tanzmeister mit kompaktem Raum und rhythmischer Nuance.
• Choreografische Struktur. Soli und Formationen spiegeln AABB-Schemata der Tunes. Teams koordinieren komplexe Kreuzungen, Hände und Figurengeometrie bei gleichbleibender Fußwerksklarheit.

Kostüm & Inszenierung

Vor der Wettbewerbsepoche trug man zu gesellschaftlichen Anlässen die „Sonntagsgarderobe“. Es gab kein einheitliches Nationalkostüm. Mit dem Aufstieg der Feiseanna und Bühnenshows wurde Kleidung Teil von Präsentation und Identität.

Moderne Damenkostüme bevorzugen taillierte Oberteile und steife Röcke, die sich so bewegen, dass gestickte keltische Motive sichtbar werden. Stoffe reichen von Samt und Satin bis zu modernen Synthetics für Bühnenlicht. Perücken und Haarreifen sind im Wettbewerb verbreitet, um ein einheitliches, poliertes Erscheinungsbild zu schaffen; Praktiken variieren je nach Schule und Region.

Herrentänzer tragen meist figurbetonte Hemden mit keltischen Details, teils mit Westen oder Krawatten. Auf der Bühne können je nach Thema theatralischere Outfits gewählt werden. In Teamnummern helfen einheitliche Farbpaletten, Muster für Jury und Publikum lesbar zu machen.

Schuhe sind zentral für die Inszenierung. Softshoes verlängern die Linie von Fuß und Bein, Hardshoes machen Choreografie als hörbare Perkussion erfahrbar. Professionelle Bühnen sind abgenommen (mikrofoniert), um Details einzufangen. In Gemeindesälen sorgen Holzböden für natürliche Resonanz.

Großproduktionen integrieren Licht, Live- oder Tonträgermusik und Ensemble-Abstände. Dennoch bewahren Choreografinnen und Choreografen die grundlegenden Rhythmusbeziehungen mit Reels, Jigs und Hornpipes, damit der Tanz als irisch erkennbar bleibt.

Varianten & Deutungen

Wettbewerbliches Stepdance. Weltweit an Tanzschulen gelehrt; verfeinert Haltung, Auswärtsdrehung und Sprungkraft. Soli und Formationen werden nach Technik, Timing und Präsentation bewertet; Choreografien sind auf bestimmte Tune-Typen zugeschnitten.

Old-Style Step. Verwurzelt in ländlichen Traditionen und der Linie der Tanzmeister; solistisch, mit kompaktem Fußwerk und intimer Phrasierung, teils aus lokalen Erinnerungen und Manuskripten rekonstruiert.

Sean-nós. Improvisiert und bodennah, mit freier Armarbeit und persönlichem Swing; gedeiht in Sessions und kleinen Veranstaltungsorten, oft im Dialog mit Live-Musikern.

Céilí-Tänze. Standardisierte Gruppentänze mit fortschreitenden Figuren; meist flott und beschwingt. Ideal für Mitmach-Events und die Einführung von Neulingen.

Set Dancing. Aus Quadrillen hervorgegangene Figuren, in irischen Gemeinschaften umgeformt; vier Paare in quadratischer Formation, regionale Stile. Schwerpunkt auf sozialem Vergnügen und musikalischem Drive.

Two-Hand Dancing. Einfache Paartänze bei gesellschaftlichen Anlässen; eine Brücke für Anfänger in größere Gruppenfiguren.

Bühnenproduktionen. Shows wie Riverdance und zahlreiche Nachfolger exportieren irischen Tanz weltweit, indem sie traditionelle Schritte mit theatralischem Maßstab, narrativen Themen und Crossover verbinden.

Wo man es heute erleben kann

• Feiseanna und Meisterschaften. Regionale bis internationale Wettbewerbe laufen ganzjährig und gipfeln in Großereignissen wie den Weltmeisterschaften, bei denen Top-Tänzerinnen und -Tänzer in Solo- und Teamkategorien antreten.
• Tanzschulen. Unterricht für Kinder und Erwachsene in Irland, den USA, Europa, Australien und Asien. Schulen bereiten auf Prüfungen, Auftritte und Wettbewerbe vor.
• Céilí- und Set-Abende. Gemeindehäuser und Kulturzentren veranstalten regelmäßige Soziale, bei denen man Figuren auf der Fläche erlernen kann. Erwartet werden traditionelle Live- oder Tonträgermusik und eine einladende Atmosphäre für Einsteiger.
• Bühnenshows und Tourneen. Tourende Compagnien und saisonale Residenzen zeigen hochproduzierte Spektakel mit moderner Choreografie und Ensemble-Präzision.
• Festivals und Paraden. St.-Patrick’s-Day-Feiern, Irland-Festivals und Heritage-Events bieten Tanzdarbietungen und Mitmach-Workshops.
• Universitäten und Kulturvereine. Studierenden-Clubs und Organisationen bieten Kurse, Soziale und Aufführungen und führen Neulinge in die Tradition ein.

Häufige Missverständnisse

• Mythos. Arme wurden steif gehalten, damit Priester oder britische Behörden das Tanzen nicht bemerkten. Korrektur. Dafür gibt es keine Belege. Aufrechte Haltung und ruhige Arme sind stilistische und pädagogische Entscheidungen, die im Wettbewerbsunterricht Standard wurden.
• Mythos. Irischer Tanz sei seit der druidischen Antike unverändert. Korrektur. Die modernen Formen entwickelten sich vom 18. bis 20. Jahrhundert, nahmen europäische Figuren und formale Schulung auf und wurden in der Erneuerungszeit kodifiziert.
• Mythos. Die englischen Penal Laws hätten irischen Tanz vollständig verboten. Korrektur. Es wurde weiterhin bei Zusammenkünften und Gemeindefesten getanzt; spätere staatliche Gesetze in Irland regulierten jedoch Orte und öffentliche Tänze.
• Mythos. Nur Menschen irischer Abstammung könnten irischen Tanz authentisch ausführen. Korrektur. Es handelt sich um eine globale Kunst, die in Schulen und Wettbewerben von Menschen vieler Hintergründe praktiziert und gefeiert wird.

Quellen

1. Marie Duffy Foundation, Irish Dance History / The History of Irish Dance. 2017. https://www.marie-duffy-foundation.com/history/
2. Barbara O’Connor und Catherine E. Foley, The Irish Dancing: Cultural Politics and Identities, 1900–2000. Cork University Press, 2013. https://www.corkuniversitypress.com/9781782050414/the-irish-dancing/
3. Helena Wulff, Dancing at the Crossroads: Memory and Mobility in Ireland. Berghahn Books, 2007. https://www.berghahnbooks.com/title/WulffDancing
4. Catherine E. Foley, Step Dancing in Ireland: Culture and History. Routledge, 2013. https://www.routledge.com/Step-Dancing-in-Ireland-Culture-and-History/Foley/p/book/9781138247949
5. University of Notre Dame, Steps in Time. 2016. https://fightingfor.nd.edu/stories/steps-in-time/