Danse moderne

Résumé. La danse moderne est une vaste tradition de danse de concert, c’est-à-dire une danse créée pour être exécutée devant un public. Elle a pris forme au début du XXe siècle, avec des racines majeures aux États-Unis et en Allemagne, alors que les artistes remettaient en question les conventions du ballet et développaient leurs propres approches du mouvement.^[1][2] La danse moderne n’a pas de fondateur unique ni de technique universelle. Sa contribution déterminante a été de faire des possibilités de la danse quelque chose que les artistes pouvaient explorer par eux-mêmes.^[1]

Faits en bref

Origine/Région	Les expériences de la fin du XIXe siècle se sont développées dans la danse moderne au début du XXe siècle, notamment aux États-Unis et en Allemagne.[1][2]
Musique	Aucun genre fixe. Les œuvres peuvent utiliser de la musique classique ou s’inspirer du blues et de la musique religieuse afro-américaine. Certains sont interprétés sans accompagnement musical.[5][6][7]
Qualité du mouvement	Varie selon la technique. Les danseurs peuvent explorer le poids et la respiration du corps ou travailler avec des formes précises et une coordination complexe.[8][9]
Contexte typique	Spectacles sur scène et cours de danse, ainsi que des ateliers où les artistes développent et présentent de nouvelles œuvres.[10]
Traditions associées	Étroitement liée au ballet et à la danse contemporaine. La danse postmoderne est apparue plus tard, remettant en question les propres conventions de la danse moderne.[1]
Technique	Plusieurs méthodes d’entraînement distinctes, dont Graham et Limón, ainsi que Horton et Cunningham. Il n’existe pas de séquence universelle d’étapes de base.[1][11]
Costume	Varie selon la production, des simples vêtements d’entraînement aux costumes qui façonnent la chorégraphie. Les pieds nus sont courants dans certaines traditions et classes.[5][12][13]

Une comparaison utile est celle de l’art moderne : « moderne » décrit une rupture avec les conventions artistiques héritées, et pas simplement quelque chose de créé récemment. Le lien va également au-delà du nom. Graham s’est inspiré de la peinture moderne et a travaillé avec le sculpteur Isamu Noguchi pour créer des environnements scéniques distinctifs. La danse faisait partie d’une conversation plus large sur ce à quoi l’art pouvait ressembler et comment il pouvait exprimer l’expérience humaine.^[3]

La différence est un peu comme écrire des vers libres plutôt qu’un sonnet. Les deux nécessitent du savoir-faire, mais le vers libre permet au poète de choisir une structure différente. Les danseurs modernes recherchaient également la liberté de développer leur propre langage gestuel, plutôt que de travailler uniquement dans le cadre d’un langage établi.

Origines et histoire

La tradition du ballet remise en question par les danseurs modernes

Le ballet est né des divertissements dans les cours de la Renaissance italienne au XVe siècle et s’est développé sous le patronage royal français. Au fil du temps, il est devenu un art de scène professionnel avec des écoles formelles et un vocabulaire de mouvement partagé. Le ballet classique met l’accent sur la en-dehors, la rotation vers l’extérieur des jambes à partir des hanches et des positions soigneusement définies. Au XIXe siècle, danser sur la pointe des pieds avec des pointes a contribué à créer le côté surnaturel des ballets sur les esprits et les êtres surnaturels.^[14]

Au sein de la danse théâtrale occidentale, cette tradition a offert un modèle influent de ce à quoi devrait ressembler la danse sur scène. Les pionniers de la danse moderne ont commencé à se demander ce qu’il y avait au-delà. Un danseur pourrait-il développer son mouvement à partir de sentiments personnels plutôt que d’un vocabulaire prescrit ? Un geste tendu ou maladroit pourrait-il être aussi expressif qu’un geste gracieux ? Leurs réponses n’ont pas produit un seul remplacement pour le ballet. Ils ont ouvert la porte à différentes façons de faire de la danse.^[1][3][2]

Nouveaux corps et nouvelles possibilités sur scène

Certaines de ces expériences ont commencé avant le 20e siècle. En 1892, Loie Fuller présente des danses dans lesquelles les tissus tourbillonnants et la lumière colorée transforment son apparence scénique. L’effet visuel comptait autant que les pas reconnaissables.^[15] Isadora Duncan offrait un autre type de liberté, en dansant pieds nus dans des tuniques amples inspirées des vêtements grecs anciens.^[5] Les deux ont contribué à desserrer le lien entre la danse théâtrale et l’image attendue d’une ballerine.

En Allemagne, Mary Wigman est devenue une figure de proue de l’Ausdruckstanz, ou danse expressionniste allemande. Cette approche plaçait le sentiment intérieur au centre de la performance, y compris les émotions qui pouvaient paraître plus dérangeantes que belles. Wigman a travaillé avec l’innovateur de la danse Rudolf von Laban de 1913 à 1919 et a utilisé l’improvisation, créant du mouvement dans l’instant présent, pour découvrir des possibilités d’expression. Son école a ouvert ses portes à Dresde, dans l’est de l’Allemagne, en 1920. Ses danseurs ont contribué à diffuser cette approche à travers des spectacles à travers l’Europe.^[2]

À New York, Martha Graham a fondé sa compagnie et son école en 1926. Elle a développé un langage du mouvement dans lequel le torse pouvait visiblement enregistrer la tension émotionnelle.^[3] Un nouveau centre d’enseignement a ouvert ses portes en 1934 à la Bennington School of the Dance dans le Vermont. Graham et Hanya Holm y ont travaillé aux côtés de Doris Humphrey et Charles Weidman, réunissant les cours de technique avec la création et l’interprétation de nouvelles œuvres. L’expérimentation devenait quelque chose que les danseurs pouvaient aussi bien étudier que regarder.^[10]

Quelles expériences la danse pourrait-elle représenter ?

La danse moderne a également élargi les vies et les expériences culturelles représentées sur scène. Dans les années 1930, Katherine Dunham a fait des recherches sur la danse dans les Caraïbes, notamment à Haïti et en Jamaïque. Son travail associe la représentation théâtrale aux traditions de la diaspora africaine, des communautés d’ascendance africaine vivant hors d’Afrique. Ces traditions ont apporté des idées de mouvement et des connaissances culturelles, et pas seulement des sujets de chorégraphie.^[16]

Alvin Ailey a placé l’expérience afro-américaine au centre de son travail. En 1958, il dirigea un groupe de jeunes danseurs noirs modernes lors du spectacle new-yorkais qui lança le Alvin Ailey American Dance Theater.^[6] Ses dernières Revelations transformeront les souvenirs de la vie de l’église en l’une des œuvres les plus durables de la danse moderne.^[17]

Cette histoire va au-delà d’une poignée de pionniers individuels. Les immigrants et les artistes vivant en exil ont contribué à façonner la danse moderne américaine, tout comme les artistes noirs et autochtones dont les contributions ont souvent été laissées de côté dans les récits familiers. Leur travail a élargi à la fois le mouvement disponible aux chorégraphes et les histoires qui pouvaient occuper la scène.^[18]

Dans les années 1960, une nouvelle génération remettait en question les techniques établies et les attentes théâtrales de la danse moderne elle-même. Leurs expériences ont contribué à façonner la danse postmoderne. La question n’était plus seulement de savoir comment créer un nouveau langage de danse, mais aussi de savoir si un spectacle nécessitait des pas de danse reconnaissables.^[1]

Pas et mouvements de base

La danse moderne n’a pas de pas de base universel. Ses techniques offrent différentes façons d’organiser le mouvement, et leurs différences sont souvent plus révélatrices qu’une description unique du style. La contraction puissante d’un danseur formé à la technique Graham peut sembler très différente d’une séquence fluide de Limón ou des changements de direction précisément coordonnés de Cunningham.^[19][8][9]

Poids, équilibre et torse expressif

Travailler avec la gravité est une partie importante de la danse moderne, mais « ancré » ne signifie pas rester bas. Dans la technique Limón, un danseur peut céder à une chute puis récupérer, permettant ainsi à un mouvement de se poursuivre dans le suivant. La Suspension crée un bref sentiment de suspension entre la montée et la descente. L’intérêt réside dans l’évolution du rapport à l’équilibre, pas simplement dans l’atteinte d’une position stable.^[8]

Le torse peut également devenir une source active de mouvement plutôt que de rester droit au-dessus des jambes. L’entraînement Graham développe des spirales, des mouvements de torsion à travers le torse, tandis que l’entraînement Cunningham explore la façon dont le torse et les jambes peuvent se déplacer dans différentes directions. Ces approches ouvrent la voie à la redirection du corps au-delà d’une seule ligne verticale.^[19][9]

Le virage peut également aller au-delà de l’image familière d’une pirouette verticale, un tour effectué sur une jambe. Dans l’entraînement Graham, par exemple, une inclinaison latérale du torse peut être effectuée dans un virage. Cela crée une forme hors axe, avec le corps incliné plutôt qu’empilé le long d’une ligne verticale. La rotation devient une opportunité d’explorer une forme de corps différente, et pas simplement de tourner sur place.^[20]

Technique Graham

La technique Graham est centrée sur la contraction et relâchement, des mouvements qui relient la respiration à la fermeture et à l’ouverture du torse. La formation comprend du travail au sol, des exercices effectués sur ou près du sol, ainsi que des séquences debout et en déplacement. Les danseurs pratiquent des spirales et des chutes tout en apprenant comment le mouvement du torse peut propulser un transfert de poids ou porter le corps du sol à la position debout.^[19]

Technique Limón

La technique de José Limón utilise la respiration et le poids du corps pour créer un mouvement qui traverse les moments de chute et de récupération. Plutôt que de dissimuler toute réponse à la gravité, les danseurs travaillent avec elle. Un mouvement peut prendre de l’ampleur, atteindre un moment suspendu et continuer dans une nouvelle direction. Cela donne à la technique une sensation dynamique de cession et de retour, plutôt que de maintenir le corps dans une forme fixe.^[8]

Technique Horton

La technique de Lester Horton développe la force et la coordination dans tout le corps. Les exercices incluent des dos plats, dans lesquels le danseur s’articule vers l’avant avec un dos allongé, et des étirements qui étendent le torse sur le côté. Son entraînement combine un placement détaillé avec une large gamme de mouvements. Horton était le mentor d’Ailey et la technique est devenue une base importante pour les danseurs et la chorégraphie d’Ailey.^[11]

Technique de Cunningham

La technique Cunningham développe la coordination entre le torse et les jambes, y compris les mouvements dans lesquels ils travaillent en opposition. Les danseurs pratiquent un timing précis tout en changeant de direction. N’importe quel côté de la pièce peut devenir l’avant-plan, remettant en question l’attente selon laquelle le corps devrait toujours être présenté selon le même point de vue du public. La technique combine la clarté physique avec une approche inhabituellement flexible de l’espace.^[9]

Chorégraphie et improvisation

La liberté de création ne signifie pas que chaque représentation soit improvisée. Wigman a utilisé l’improvisation pour découvrir le mouvement, tandis que Cunningham a développé des procédures soigneusement organisées pour composer des danses par hasard.^[2][21] Une expérience peut devenir une chorégraphie exacte que les danseurs répètent à plusieurs reprises. Ce qui est ouvert à l’invention, c’est le processus et ses possibilités, pas nécessairement les étapes d’une représentation.

Musique et son

La danse moderne n’a pas simplement remplacé la musique classique par une bande sonore différente. Duncan a dansé sur des compositeurs tels que Chopin et Liszt, tandis qu’Ailey s’est inspiré du blues et du jazz ainsi que de la musique religieuse afro-américaine.^[5][6] Ce qui a changé, c’est l’éventail de choix disponibles pour un chorégraphe, y compris la possibilité de se demander si la danse avait vraiment besoin de musique.

Water Study de Doris Humphrey (1928) a été interprétée sans accompagnement musical. La respiration et les mouvements partagés des danseurs créaient le rythme tandis qu’un ensemble évoquait le mouvement changeant de l’eau. Sans qu’une partition ne fournisse le pouls, l’attention du public s’est portée sur le timing généré par les corps eux-mêmes.^[7]

Cunningham et le compositeur John Cage ont exploré une autre possibilité : la musique et la danse pourraient partager une performance sans être conçues pour se correspondre. Les danseurs n’étaient pas obligés d’illustrer une mélodie ou de faire correspondre chaque mouvement sur un accent musical.^[4] Dans Suite by Chance, Cunningham a associé sa chorégraphie à For Magnetic Tape de Christian Wolff, étendant le monde sonore au-delà d’une partition instrumentale conventionnelle.^[21]

Ces approches ont fait de l’accompagnement une question créative plutôt qu’une exigence. Un chorégraphe pourrait construire un mouvement étroitement autour d’une chanson, laisser la danse et le son se dérouler indépendamment ou travailler sans musique. Chaque choix modifie ce que le public remarque à propos du temps et du mouvement.^[6][4][7]

Œuvres remarquables et expériences radicales

La gamme devient plus claire dans les performances individuelles. Certains artistes ont trouvé de nouvelles façons de communiquer leurs émotions. D’autres ont remis en question la nécessité d’une histoire ou se sont demandé ce que le public devrait considérer comme de la danse. Les deux derniers exemples ci-dessous appartiennent à la danse postmoderne, qui a poussé ces questions dans une autre direction.

L’Hexentanz de Mary Wigman : une autre image de la danseuse

Dans la version de 1926 de Hexentanz, ou Witch Dance, Wigman utilisait des gestes puissants et des positions de jambes larges qui remettaient en question les idéaux familiers de grâce féminine. Le personnage sur scène était étrange et conflictuel plutôt qu’élégant de manière conventionnelle. Son importance résidait en partie dans ce refus : un danseur pouvait attirer l’attention par une présence troublante, et pas seulement par sa beauté ou sa virtuosité.^[22]

Lamentation de Martha Graham (1930) : le chagrin rendu visible

Graham a interprété ce solo presque entièrement assis, enfermé dans un tube de tissu extensible violet. Au fur et à mesure qu’elle se pressait contre le tissu, le costume changeait de forme avec son corps. Au lieu de raconter l’histoire d’une perte particulière, l’œuvre donne au chagrin une présence physique par le biais de tensions et de restrictions. Un banc et une longueur de tissu suffisaient pour créer un univers scénique intensément expressif.^[13]

Suite by Chance de Merce Cunningham (1953) : une chorégraphie au-delà de l’habitude

Cunningham a créé des tableaux des mouvements possibles, de leurs durées et de leurs directions dans l’espace. Des procédures aléatoires ont permis de déterminer la séquence et les entrées et sorties des danseurs. Ce n’était pas une invitation à inventer quoi que ce soit sur scène. C’était une façon de composer une danse structurée sans laisser les préférences personnelles ou un scénario planifié contrôler chaque décision. La méthode pourrait produire des combinaisons que le chorégraphe n’aurait peut-être jamais choisies délibérément.^[21]

Revelations d’Alvin Ailey (1960) : la mémoire personnelle devient une expérience partagée

S’appuyant sur son expérience d’enfance dans l’église au Texas, Ailey a créé une œuvre qui passe du chagrin et du baptême à la joie communautaire. Ses spirituals, chants religieux traditionnels afro-américains, sont au cœur de ce voyage. Revelations montre que l’expansion de la danse n’était pas seulement une affaire d’abstraction ou d’expérimentations inhabituelles. Cela pourrait également signifier mettre en scène la vie émotionnelle et culturelle d’une communauté avec une force extraordinaire.^[17]

Le Trio A d’Yvonne Rainer (1966) : supprimer le grand moment

Cette œuvre postmoderne se déroule comme une séquence continue sans la construction familière vers un point culminant dramatique. Des actions d’apparence ordinaire apparaissent à côté de mouvements qui nécessitent une coordination minutieuse, et l’interprète évite tout contact visuel direct avec le public. L’apparente désinvolture est trompeuse : la chorégraphie est exacte et difficile à apprendre. Rainer a remis en question l’attente selon laquelle un danseur doit continuellement impressionner ou engager émotionnellement le spectateur.^[23]

Man Walking Down the Side of a Building de Trisha Brown (1970) : changer de scène elle-même

Brown a transformé une action ordinaire en quelque chose de surprenant en changeant son cadre. Soutenu par un harnais et des câbles, un artiste a parcouru l’extérieur d’un bâtiment, traitant le mur vertical comme un sol.^[24] L’œuvre utilisait des vêtements de ville et un son ambiant plutôt qu’un décor théâtral conventionnel. Cette expérience postmoderne cherchait où la danse pouvait se produire et comment un mouvement familier pouvait devenir inconnu simplement en changeant sa relation avec l’espace et la gravité.^[25]

Costume & mise en scène

Les costumes et la scénographie peuvent faire partie de la chorégraphie plutôt que de la décoration qui l’entoure. Le tissu tourbillonnant de Fuller et l’éclairage coloré ont transformé les contours de son corps.^[15] Le costume en tissu extensible de Graham dans Lamentation rendait chaque geste visible comme une forme changeante.^[13] Ces œuvres dépendent de la relation entre le danseur et le matériau, et pas seulement des pas exécutés à l’intérieur d’un costume.

D’autres productions utilisent le design pour soutenir un voyage émotionnel. Dans Revelations, des tons terreux encadrent la section d’ouverture. Le blanc et le bleu pâle accompagnent le baptême, un rituel chrétien impliquant l’eau, tandis que le jaune et le noir contribuent à établir l’atmosphère de la scène de clôture de l’église.^[17]

Les vêtements de classe sont généralement plus simples. Mark Morris Dance Group recommande des vêtements confortables et des pieds nus pour ses cours de danse moderne. Suivez les conseils de l’école, car les exigences en matière de chaussures et de vêtements varient.^[12]

Traditions de danse associées

La relation de la danse moderne avec le ballet est progressivement devenue un échange autant qu’une réaction. Le ballet évolue également : les Ballets Russes réunissent des chorégraphes et des compositeurs avec de grands artistes visuels pour créer des productions innovantes au début du XXe siècle.^[26] Graham a ensuite travaillé avec d’éminents danseurs de ballet, et sa compagnie est devenue un terrain de formation pour des chorégraphes qui ont développé leurs propres approches.^[3]

La danse moderne s’est également développée à travers des rencontres avec d’autres traditions de mouvement. Le travail de Dunham s’inspire de la danse afro-américaine et caribéenne, plaçant ces traditions dans une pratique théâtrale plus large.^[16] Ailey a associé ses propres idées chorégraphiques aux bases techniques qu’il avait apprises de Horton.^[11][17]

La danse postmoderne a poussé le questionnement plus loin en intégrant les actions quotidiennes à la performance et en reconsidérant la nécessité d’une représentation théâtrale. Le Trio A de Rainer en est un exemple important.^[23] Le terme plus large danse contemporaine décrit souvent un travail qui s’inspire de ces histoires plutôt que d’appartenir à une seule technique établie.^[1]

L’importance durable de la danse moderne va donc bien au-delà d’une préférence pour les pieds nus ou les mouvements au sol. Cela a contribué à établir que la forme d’une danse et les règles utilisées pour la créer pouvaient elles-mêmes devenir le sujet d’une exploration artistique.

Où en faire l’expérience maintenant

La danse moderne se poursuit à travers des compagnies et des écoles actives. Aux États-Unis, l’American Dance Festival propose des formations et des spectacles professionnels à Durham, en Caroline du Nord.^[10] À New York, la Martha Graham School enseigne la technique de Graham, tandis que la Martha Graham Dance Company et Graham 2 interprètent son travail.^[3]

La Fondation de danse José Limón propose des opportunités de formation et de représentation qui allient technique et répertoire, ce qui signifie que les danseurs apprennent à interpréter des œuvres.^[27] Le Merce Cunningham Trust enseigne sa technique et soutient la transmission de sa chorégraphie à travers des ateliers et des licences pédagogiques.^[9][28]

Avant de choisir un cours, vérifiez son niveau et la technique qu’il enseigne. Une classe qualifiée de moderne peut suivre une méthode ou s’inspirer de plusieurs approches.^[12] Lorsque vous regardez une représentation, le nom du chorégraphe et la date de l’œuvre peuvent également aider à la situer dans cette vaste tradition.

Questions fréquemment posées

La danse moderne est-elle une technique ?

Non. La danse moderne comprend plusieurs techniques établies et une tradition continue d’expérimentation. Les cours Graham et Limón, par exemple, abordent le mouvement différemment même si tous deux appartiennent à la danse moderne.^[19][8]

Toute danse moderne est-elle improvisée ?

Non. L’improvisation peut être un moyen de découvrir le mouvement, mais de nombreuses œuvres modernes ont une chorégraphie soigneusement définie. Même une méthode expérimentale telle que l’utilisation du hasard par Cunningham peut produire une séquence que les danseurs apprennent et répètent.^[2][21]

La danse moderne est-elle la même chose que la danse contemporaine ?

Les termes se chevauchent. La danse moderne fait généralement référence à la tradition historique évoquée ici et à ses techniques établies. La danse contemporaine est souvent une étiquette plus large pour un travail qui s’appuie sur la danse moderne aux côtés d’autres approches. La description d’une classe ou d’une entreprise est généralement plus informative que l’étiquette seule.^[1]

La danse moderne est-elle la même chose que le théâtre moderne de l’ISTD ?

Non. L’Imperial Society of Teachers of Dancing (ISTD) utilise le Théâtre moderne pour un style et un programme de formation ancrés dans le théâtre musical, avec le jazz parmi ses influences. Cela diffère de la danse moderne en tant que tradition historique de danse de concert.^[29]

Ai-je besoin d’un costume particulier pour les cours ?

Portez des vêtements qui vous permettent de bouger librement et suivez les conseils de l’enseignant en matière de chaussures. Certains cours demandent d’être pieds nus, comme le fait le Mark Morris Dance Group, mais les exigences varient selon l’école.^[12]

Références

1. University of Georgia. 2. Brief History – Ch.1 – Contemporary Modern Dance. https://open.online.uga.edu/contemporarymoderndance/chapter/briefhistory/
2. University of Washington. Mary Wigman. https://dance.washington.edu/people/mary-wigman
3. Martha Graham Dance Company. History. https://marthagraham.org/history/
4. Merce Cunningham Trust. Merce Cunningham. https://www.mercecunningham.org/about/merce-cunningham/
5. Smithsonian American Art Museum. Isadora Duncan. https://americanart.si.edu/blog/eye-level/2009/04/1013/isadora-duncan
6. Alvin Ailey Dance Foundation. Alvin Ailey, Founder. https://pressroom.alvinailey.org/alvin-ailey-american-dance-theater/directors/alvin-ailey
7. Numeridanse. Water Study. https://numeridanse.com/en/publication/water-study/
8. Alvin Ailey. Limón. https://ailey.org/classes/techniques/limon
9. Merce Cunningham Trust. Cunningham Technique. https://www.mercecunningham.org/the-work/cunningham-technique/
10. American Dance Festival. About ADF. https://americandancefestival.org/about/
11. Alvin Ailey. Horton. https://ailey.org/classes/techniques/horton
12. Mark Morris Dance Group. Modern Dance. https://markmorrisdancegroup.org/dance-center/adult-classes/modern-dance/
13. Martha Graham Dance Company. Lamentation (1930). https://marthagraham.org/portfolio-items/lamentation-1930/
14. Pittsburgh Ballet Theatre. A Brief History of Ballet. https://pbt.org/community/resources-audience-members/ballet-101/brief-history-ballet/
15. The New York Public Library for the Performing Arts. Costume worn by Loie Fuller. https://www.nypl.org/events/exhibitions/galleries/performance/item/5456
16. Library of Congress. Katherine Dunham: A Life in Dance. https://www.loc.gov/collections/katherine-dunham/articles-and-essays/katherine-dunham-a-life-in-dance/
17. Alvin Ailey Dance Foundation. Revelations. https://pressroom.alvinailey.org/alvin-ailey-american-dance-theater/repertory/revelations
18. The New York Public Library. Border Crossings: Exile and American Modern Dance, 1900–1955. https://www.nypl.org/press/new-york-public-library-performing-arts-presents-border-crossings-exile-and-american-modern
19. Martha Graham School. Summer Teacher Workshop. https://marthagraham.edu/summer-teacher-workshop/
20. Patrice Moniz, M-Intensive. The Graham Technique in 21 Movements. https://www.m-intensive.co.uk/asafeplacetobe/grahamtechniquemovement
21. Merce Cunningham Trust. Suite by Chance. https://www.mercecunningham.org/the-work/choreography/suite-by-chance/
22. TANZFONDS ERBE. The Witch Dance Project. https://tanzfonds.de/en/project/documentation-12-2015/the-witch-dance-project/
23. The Museum of Modern Art. Yvonne Rainer. Trio A. 1978. https://www.moma.org/collection/works/119867
24. Art Institute of Chicago. Joseph Schlichter Performing “Man Walking Down the Side of a Building” by Trisha Brown, 80 Wooster St.. https://www.artic.edu/artworks/239457/joseph-schlichter-performing-man-walking-down-the-side-of-a-building-by-trisha-brown-80-wooster-st
25. Trisha Brown Dance Company. Man Walking Down the Side of a Building. https://trishabrowncompany.org/repertory/man-walking-down-the-side-of-a-building.html
26. Victoria and Albert Museum. Diaghilev and the Ballets Russes. https://www.vam.ac.uk/articles/diaghilev-and-the-ballets-russes
27. José Limón Dance Foundation. Training Programs | Pro & Launch. https://www.limon.nyc/pro-launch
28. Merce Cunningham Trust. Educational Licensing. https://www.mercecunningham.org/licensing/educational-licensing/
29. Imperial Society of Teachers of Dancing. Modern Theatre. https://www.istd.org/dance/dance-genres/modern-theatre/