Moderner Tanz

Zusammenfassung. Moderner Tanz ist eine breite Tradition des Konzerttanzes, also eines Tanzes, der für die Aufführung vor Publikum geschaffen wurde. Er nahm Anfang des 20. Jahrhunderts Gestalt an und hatte seine Wurzeln hauptsächlich in den Vereinigten Staaten und in Deutschland, als Künstler die Konventionen des Balletts in Frage stellten und ihre eigenen Bewegungsansätze entwickelten.^[1][2] Der moderne Tanz hat keinen einzigen Begründer oder eine universelle Technik. Sein entscheidender Beitrag bestand darin, die Möglichkeiten des Tanzes zu etwas zu machen, das Künstler selbst erkunden konnten.^[1]

Kurze Fakten

Herkunft/Region	Experimente des späten 19. Jahrhunderts entwickelten sich im frühen 20. Jahrhundert zum modernen Tanz, insbesondere in den Vereinigten Staaten und in Deutschland.[1][2]
Musik	Kein festes Genre. Die Werke können klassische Musik verwenden oder auf Blues und afroamerikanische religiöse Musik zurückgreifen. Einige werden ohne musikalische Begleitung aufgeführt.[5][6][7]
Bewegungsqualität	Variiert je nach Technik. Tänzer können das Gewicht und den Atem des Körpers erforschen oder mit präzisen Formen und komplexer Koordination arbeiten.[8][9]
Typischer Kontext	Bühnenaufführungen und Tanzkurse sowie Workshops, in denen Künstler neue Werke entwickeln und präsentieren.[10]
Verwandte Traditionen	Enge Verbindung mit Ballett und zeitgenössischem Tanz. Später entstand der postmoderne Tanz, der die Konventionen des modernen Tanzes in Frage stellte.[1]
Technik	Mehrere unterschiedliche Trainingsmethoden, darunter Graham und Limón sowie Horton und Cunningham. Es gibt keine universelle Abfolge grundlegender Schritte.[1][11]
Kostüm	Variiert je nach Produktion, von einfacher Übungskleidung bis hin zu Kostümen, die die Choreografie prägen. In einigen Traditionen und Klassen sind nackte Füße üblich.[5][12][13]

Ein nützlicher Vergleich ist die moderne Kunst: „modern“ beschreibt einen Bruch mit überkommenen künstlerischen Konventionen, nicht einfach etwas, das kürzlich gemacht wurde. Die Verbindung geht auch über den Namen hinaus. Graham ließ sich von der modernen Malerei inspirieren und arbeitete mit dem Bildhauer Isamu Noguchi zusammen, um unverwechselbare Bühnenumgebungen zu schaffen. Tanz war Teil einer umfassenderen Diskussion darüber, wie Kunst aussehen und wie sie menschliche Erfahrungen ausdrücken könnte.^[3]

Der Unterschied ähnelt eher dem Schreiben freier Verse als eines Sonetts. Beides erfordert Geschick, aber der freie Vers erlaubt dem Dichter, eine andere Struktur zu wählen. Auch moderne Tänzer suchten die Freiheit, ihre eigene Bewegungssprache zu entwickeln, anstatt nur innerhalb einer etablierten zu arbeiten.

Ursprünge und Geschichte

Die Balletttradition wurde von modernen Tänzern in Frage gestellt

Das Ballett entstand im 15. Jahrhundert aus Unterhaltungen an italienischen Renaissancehöfen und entwickelte sich unter französischer königlicher Förderung weiter. Im Laufe der Zeit wurde es zu einer professionellen Bühnenkunst mit formalen Schulen und einem gemeinsamen Bewegungsvokabular. Das klassische Ballett betont das Auswärtsdrehen, die Auswärtsrotation der Beine aus der Hüfte, und genau definierte Positionen. Im 19. Jahrhundert trug das Tanzen auf den Zehenspitzen in Spitzenschuhen zur überirdischen Wirkung von Balletten über Geister und übernatürliche Wesen bei.^[14]

Im westlichen Theatertanz bot diese Tradition ein einflussreiches Modell dafür, wie ausgebildeter Bühnentanz aussehen sollte. Pioniere des modernen Tanzes begannen zu fragen, was dahinter steckte. Könnte ein Tänzer Bewegungen aus persönlichem Gefühl entwickeln und nicht aus einem vorgeschriebenen Vokabular? Könnte eine angespannte oder unbeholfene Geste genauso ausdrucksstark sein wie eine anmutige? Ihre Antworten brachten keinen einzigen Ersatz für das Ballett hervor. Sie öffneten die Tür zu verschiedenen Arten, Tanz zu machen.^[1][3][2]

Neue Körper und neue Möglichkeiten auf der Bühne

Einige dieser Experimente begannen vor dem 20. Jahrhundert. Im Jahr 1892 präsentierte Loie Fuller Tänze, bei denen wirbelnde Stoffe und farbiges Licht ihren Bühnenauftritt veränderten. Der visuelle Effekt war ebenso wichtig wie erkennbare Schritte.^[15] Isadora Duncan bot eine andere Art von Freiheit, indem sie barfuß in weiten Tuniken tanzte, die von antiken griechischen Kleidungsstücken inspiriert waren.^[5] Beide trugen dazu bei, die Verbindung zwischen Theatertanz zu lockern und das erwartete Bild einer Ballerina.

In Deutschland wurde Mary Wigman zu einer führenden Figur im Ausdruckstanz, dem deutschen expressionistischen Tanz. Dieser Ansatz stellte das innere Gefühl in den Mittelpunkt der Darbietung, einschließlich Emotionen, die eher verstörend als schön wirken könnten. Wigman arbeitete von 1913 bis 1919 mit dem Tanzinnovator Rudolf von Laban zusammen und nutzte Improvisation, um Bewegung im Augenblick zu schaffen, um Ausdrucksmöglichkeiten zu entdecken. Ihre Schule wurde 1920 in Dresden im Osten Deutschlands eröffnet. Ihre Tänzer trugen dazu bei, diesen Ansatz durch Aufführungen in ganz Europa zu verbreiten.^[2]

In New York City gründete Martha Graham 1926 ihre Firma und Schule. Sie entwickelte eine Bewegungssprache, mit der der Oberkörper emotionale Spannungen sichtbar registrieren konnte.^[3] Ein neues Lehrzentrum wurde 1934 an der Bennington School of the Dance in Vermont eröffnet. Graham und Hanya Holm arbeiteten dort zusammen mit Doris Humphrey und Charles Weidman und brachten Technikunterricht mit der Schaffung und Aufführung neuer Werke zusammen. Das Experimentieren wurde zu etwas, das Tänzer sowohl studieren als auch beobachten konnten.^[10]

Wessen Erfahrungen könnte Tanz darstellen?

Moderner Tanz erweiterte auch das Leben und die kulturellen Erfahrungen, die auf der Bühne dargestellt wurden. In den 1930er Jahren erforschte Katherine Dunham den Tanz in der Karibik, darunter Haiti und Jamaika. Ihre Arbeit verband Theateraufführungen mit Traditionen der afrikanischen Diaspora, Gemeinschaften afrikanischer Abstammung, die außerhalb Afrikas leben. Diese Traditionen brachten Bewegungsideen und kulturelles Wissen ein, nicht nur Themen für die Choreografie.^[16]

Alvin Ailey stellte die afroamerikanische Erfahrung in den Mittelpunkt seiner Arbeit. 1958 leitete er eine Gruppe junger schwarzer moderner Tänzer bei der New Yorker Aufführung, die das Alvin Ailey American Dance Theater ins Leben rief.^[6] Seine späteren Revelations sollten Erinnerungen an das Kirchenleben zu einem der beständigsten Werke des modernen Tanzes machen.^[17]

Diese Geschichte reicht über eine Handvoll einzelner Pioniere hinaus. Einwanderer und im Exil lebende Künstler haben den modernen amerikanischen Tanz mitgeprägt, ebenso wie schwarze und indigene Künstler, deren Beiträge in bekannten Berichten oft außer Acht gelassen wurden. Ihre Arbeit erweiterte sowohl die Bewegung, die Choreografen zur Verfügung standen, als auch die Geschichten, die die Bühne füllen konnten.^[18]

In den 1960er Jahren stellte eine neue Generation die etablierten Techniken und Theatererwartungen des modernen Tanzes selbst in Frage. Ihre Experimente prägten den postmodernen Tanz. Die Frage war nicht mehr nur, wie man eine neue Tanzsprache schafft, sondern ob eine Aufführung überhaupt erkennbare Tanzschritte benötigt.^[1]

Grundschritte und Bewegung

Moderner Tanz hat keinen universellen Grundschritt. Seine Techniken bieten unterschiedliche Möglichkeiten, Bewegungen zu gestalten. Ihre Unterschiede sind oft aufschlussreicher als eine einzige Beschreibung des Stils. Die kraftvolle Kontraktion eines Tänzers in der Graham-Technik kann ganz anders aussehen als eine fließende Limón-Phrase oder Cunninghams präzise koordinierte Richtungswechsel.^[19][8][9]

Gewicht, Gleichgewicht und der ausdrucksstarke Oberkörper

Die Arbeit mit der Schwerkraft ist ein wichtiger Teil des modernen Tanzes, aber „geerdet“ bedeutet nicht, niedrig zu bleiben. Bei der Limón-Technik kann ein Tänzer einem Sturz nachgeben und sich dann erholen, sodass eine Bewegung in die nächste übergeht. Suspension erzeugt ein kurzes Gefühl des Schwebens zwischen Heben und Senken. Das Interesse liegt in der sich verändernden Beziehung zum Gleichgewicht, nicht nur im Erreichen einer stabilen Position.^[8]

Der Rumpf kann auch zu einer aktiven Bewegungsquelle werden, anstatt aufrecht über den Beinen zu bleiben. Das Graham-Training entwickelt Spiralen, drehende Bewegungen durch den Rumpf, während das Cunningham-Training erforscht, wie sich Rumpf und Beine in verschiedene Richtungen bewegen können. Diese Ansätze eröffnen Möglichkeiten, den Körper über eine einzelne aufrechte Linie hinaus umzulenken.^[19][9]

Drehen kann auch über das bekannte Bild einer aufrechten Pirouette hinausgehen, einer Drehung, die auf einem Bein ausgeführt wird. Beim Graham-Training kann beispielsweise eine Seitwärtsneigung des Rumpfes in eine Drehung umgesetzt werden. Dadurch entsteht eine außeraxiale Form, bei der der Körper eher geneigt als entlang einer vertikalen Linie gestapelt ist. Rotation wird zu einer Gelegenheit, eine andere Körperform zu erkunden, statt sich einfach nur auf der Stelle zu drehen.^[20]

Graham-Technik

Die Graham-Technik konzentriert sich auf Kontraktion und Entspannung, Bewegungen, die die Atmung mit dem Schließen und Öffnen des Oberkörpers verbinden. Das Training umfasst Bodenarbeit, Übungen auf oder in der Nähe des Bodens sowie Steh- und Bewegungssequenzen. Tänzer üben Spiralen und Stürze und lernen dabei, wie Bewegungen durch den Rumpf eine Gewichtsverlagerung bewirken oder den Körper vom Boden in den Stand befördern können.^[19]

Limón-Technik

José Limóns Technik nutzt Atem und das Körpergewicht, um eine Bewegung zu erzeugen, die durch Momente des Sturzes und der Erholung fließt. Anstatt jede Reaktion auf die Schwerkraft zu verbergen, arbeiten Tänzer mit ihr. Eine Bewegung kann an Dynamik gewinnen, einen Stillstand erreichen und in eine neue Richtung weitergehen. Dies verleiht der Technik ein dynamisches Gefühl des Nachgebens und Zurückkehrens, anstatt den Körper in einer festen Form zu halten.^[8]

Horton-Technik

Lester Hortons Technik entwickelt Kraft und Koordination im gesamten Körper. Zu den Übungen gehören Flat Backs, bei denen sich der Tänzer mit gestrecktem Rücken nach vorne beugt, und Dehnübungen, die den Oberkörper seitlich strecken. Sein Training kombiniert eine detaillierte Platzierung mit einem breiten Bewegungsspektrum. Horton war Aileys Mentor und die Technik wurde zu einer wichtigen Grundlage für Aileys Tänzer und Choreografie.^[11]

Cunningham-Technik

Die Cunningham-Technik entwickelt die Koordination zwischen Rumpf und Beinen, einschließlich Bewegungen, bei denen sie gegensätzlich arbeiten. Tänzer üben präzises Timing beim Richtungswechsel. Jede Seite des Raums kann zur Vorderseite werden, was die Erwartung in Frage stellt, dass der Körper immer einem bestimmten Standpunkt des Publikums zugewandt sein sollte. Die Technik kombiniert körperliche Klarheit mit einem ungewöhnlich flexiblen Umgang mit dem Raum.^[9]

Choreografie und Improvisation

Kreative Freiheit bedeutet nicht, dass jede Aufführung improvisiert ist. Wigman nutzte Improvisation, um Bewegung zu entdecken, während Cunningham sorgfältig organisierte Verfahren zum Komponieren von Tänzen durch Zufall entwickelte.^[2][21] Ein Experiment kann zu einer exakten Choreografie werden, die Tänzer wiederholt proben. Was erfinderisch ist, ist der Prozess und seine Möglichkeiten, nicht unbedingt die Schritte während einer Aufführung.

Musik & Sound

Moderner Tanz ersetzte klassische Musik nicht einfach durch einen anderen Soundtrack. Duncan tanzte zu Musik von Komponisten wie Chopin und Liszt, während Ailey auf Blues und Jazz sowie afroamerikanische religiöse Musik zurückgriff.^[5][6] Neu war die größere Auswahl an Möglichkeiten für Choreografen, einschließlich der Frage, ob Tanz überhaupt Musik braucht.

Doris Humphreys Water Study (1928) wurde ohne musikalische Begleitung aufgeführt. Der Atem und die gemeinsame Bewegung der Tänzer erzeugten den Rhythmus, während ein Ensemble die wechselnde Bewegung des Wassers hervorrief. Ohne dass eine Partitur den Pulsschlag lieferte, verlagerte sich die Aufmerksamkeit des Publikums auf das von den Körpern selbst erzeugte Timing.^[7]

Cunningham und der Komponist John Cage untersuchten eine andere Möglichkeit: Musik und Tanz könnten eine gemeinsame Aufführung haben, ohne dass sie aufeinander abgestimmt sein müssten. Die Tänzer mussten keine Melodie illustrieren oder jeder Bewegung einen musikalischen Akzent verleihen.^[4] In Suite by Chance kombinierte Cunningham seine Choreografie mit Christian Wolffs For Magnetic Tape und erweiterte so die Klangwelt über eine herkömmliche Instrumentalpartitur hinaus.^[21]

Diese Ansätze machten die Begleitung zu einer kreativen Frage und nicht zu einer Anforderung. Ein Choreograf könnte Bewegung eng um ein Lied herum aufbauen, Tanz und Klang unabhängig voneinander entfalten lassen oder ohne Musik arbeiten. Jede Wahl verändert, was ein Publikum über Zeit und Bewegung wahrnimmt.^[6][4][7]

Bemerkenswerte Werke und radikale Experimente

Am deutlichsten wird die Bandbreite bei einzelnen Darbietungen. Einige Künstler haben neue Wege gefunden, Emotionen zu kommunizieren. Andere stellten die Notwendigkeit einer Geschichte in Frage oder fragten, was ein Publikum als Tanz erkennen sollte. Die letzten beiden Beispiele unten gehören zum postmodernen Tanz, der diese Fragen in eine andere Richtung verschoben hat.

Mary Wigmans Hexentanz: ein anderes Bild der Tänzerin

In der 1926er Version von Hexentanz, auf Englisch Witch Dance, verwendete Wigman kraftvolle Gesten und weitbeinige Positionen, die bekannte Ideale weiblicher Anmut in Frage stellten. Die Figur auf der Bühne war eher seltsam und konfrontativ als konventionell elegant. Seine Bedeutung lag teilweise in dieser Ablehnung: Ein Tänzer konnte Aufmerksamkeit durch eine beunruhigende Präsenz erregen, nicht nur durch Schönheit oder Virtuosität.^[22]

Martha Grahams Lamentation (1930): Trauer sichtbar gemacht

Graham spielte dieses Solo fast vollständig im Sitzen, eingehüllt in einen Schlauch aus violettem Stretchstoff. Als sie sich gegen den Stoff drückte, veränderte das Kostüm mit ihrem Körper seine Form. Anstatt eine Geschichte über einen bestimmten Verlust zu erzählen, verlieh das Werk der Trauer durch Spannung und Einschränkung eine physische Präsenz. Eine Bank und ein Stück Stoff reichten aus, um eine ausdrucksstarke Bühnenwelt zu schaffen.^[13]

Merce Cunninghams Suite by Chance (1953): Choreografie jenseits der Gewohnheit

Cunningham erstellte Diagramme möglicher Bewegungen, ihrer Dauer und ihrer Richtungen im Raum. Zufallsverfahren halfen dabei, die Reihenfolge und die Ein- und Ausgänge der Tänzer zu bestimmen. Dies war keine Einladung, auf der Bühne etwas zu erfinden. Es war eine Möglichkeit, einen strukturierten Tanz zu komponieren, ohne dass persönliche Vorlieben oder eine geplante Handlung jede Entscheidung bestimmen ließen. Die Methode könnte Kombinationen hervorbringen, die der Choreograf möglicherweise nie absichtlich ausgewählt hätte.^[21]

Alvin Aileys Revelations (1960): Persönliche Erinnerung wird zur gemeinsamen Erfahrung

Auf der Grundlage seiner Kindheitserfahrungen in der Kirche in Texas schuf Ailey ein Werk, das sich durch Trauer und Taufe hin zu gemeinschaftlicher Freude bewegt. Seine Spirituals, traditionelle afroamerikanische religiöse Lieder, sind von zentraler Bedeutung auf dieser Reise. Revelations zeigt, dass es bei der Erweiterung des Tanzes nicht nur um Abstraktion oder ungewöhnliche Experimente ging. Es könnte auch bedeuten, das emotionale und kulturelle Leben einer Gemeinschaft mit außergewöhnlicher Kraft auf die Bühne zu bringen.^[17]

Yvonne Rainers Trio A (1966): Den großen Moment entfernen

Dieses postmoderne Werk entfaltet sich als kontinuierliche Sequenz ohne den bekannten Aufbau in Richtung eines dramatischen Höhepunkts. Gewöhnlich anmutende Handlungen treten neben Bewegungen auf, die eine sorgfältige Koordination erfordern, und der Darsteller vermeidet den direkten Blickkontakt mit dem Publikum. Die scheinbare Beiläufigkeit täuscht: Die Choreografie ist exakt und schwer zu erlernen. Rainer stellte die Erwartung in Frage, dass ein Tänzer den Betrachter ständig beeindrucken oder emotional fesseln muss.^[23]

Trisha Browns Man Walking Down the Side of a Building (1970): Veränderung der Bühne selbst

Brown verwandelte eine gewöhnliche Handlung in etwas Verblüffendes, indem er den Schauplatz veränderte. Unterstützt von einem Geschirr und Kabeln ging ein Darsteller an der Außenseite eines Gebäudes entlang und behandelte die vertikale Wand als Boden.^[24] Bei der Arbeit wurden Straßenkleidung und Umgebungsgeräusche anstelle einer herkömmlichen Theaterkulisse verwendet. Dieses postmoderne Experiment stellte die Frage, wo Tanz stattfinden könnte und wie eine vertraute Bewegung ungewohnt werden könnte, indem einfach ihre Beziehung zu Raum und Schwerkraft verändert wird.^[25]

Kostüm & Inszenierung

Kostüme und Bühnenbild können eher Teil der Choreografie als die sie umgebende Dekoration sein. Fullers wirbelnder Stoff und farbiges Licht veränderten die Umrisse ihres Körpers.^[15] Grahams Stretchstoffkostüm in Lamentation machte jede Geste als sich verändernde Form sichtbar.^[13] Diese Werke hängen davon ab über die Beziehung zwischen Tänzer und Material, nicht nur über die Schritte, die innerhalb eines Kostüms ausgeführt werden.

Andere Produktionen nutzen Design, um eine emotionale Reise zu unterstützen. In Revelations umrahmen Erdtöne den Eröffnungsabschnitt. Weiß und Hellblau begleiten die Taufe, ein christliches Ritual mit Wasser, während Gelb und Schwarz dazu beitragen, die Atmosphäre der abschließenden Kirchenszene zu schaffen.^[17]

Klassenkleidung ist normalerweise einfacher. Die Mark Morris Dance Group empfiehlt für ihre modernen Tanzkurse bequeme Kleidung und nackte Füße. Befolgen Sie die Anweisungen der Schule, da die Anforderungen an Schuhe und Kleidung unterschiedlich sind.^[12]

Verwandte Tanztraditionen

Die Beziehung des modernen Tanzes zum Ballett wurde nach und nach sowohl zu einem Austausch als auch zu einer Reaktion. Auch das Ballett veränderte sich: Die Ballets Russes brachten zu Beginn des 20. Jahrhunderts Choreografen und Komponisten mit bedeutenden bildenden Künstlern zusammen, um innovative Produktionen zu schaffen.^[26] Graham arbeitete später mit prominenten Balletttänzern zusammen, und ihre Kompanie wurde zu einem Übungsgelände für Choreografen, die ihre eigenen Ansätze entwickelten.^[3]

Moderner Tanz entwickelte sich auch durch Begegnungen mit anderen Bewegungstraditionen. Dunhams Arbeit stützte sich auf den afroamerikanischen und karibischen Tanz und ordnete diese Traditionen in eine breitere Theaterpraxis ein.^[16] Ailey brachte seine eigenen choreografischen Ideen mit der technischen Grundlage zusammen, die er von Horton gelernt hatte.^[11][17]

Der postmoderne Tanz führte die Befragung weiter, indem er alltägliche Handlungen zu einem Teil der Aufführung machte und die Notwendigkeit einer theatralischen Darstellung neu überdachte. Rainers Trio A ist ein wichtiges Beispiel.^[23] Der weiter gefasste Begriff zeitgenössischer Tanz beschreibt oft Arbeiten, die sich auf diese Geschichten beziehen und nicht zu einer einzigen etablierten Technik gehören.^[1]

Die bleibende Bedeutung des modernen Tanzes ist daher größer als die Vorliebe für nackte Füße oder geerdete Bewegungen. Es trug dazu bei, zu beweisen, dass die Form eines Tanzes und die Regeln, nach denen er kreiert wurde, selbst zum Gegenstand künstlerischer Erkundung werden können.

Wo Sie es jetzt erleben können

Moderner Tanz wird durch aktive Kompanien und Schulen fortgesetzt. In den Vereinigten Staaten bietet das American Dance Festival Schulungen und professionelle Auftritte in Durham, North Carolina, an.^[10] In New York City unterrichtet die Martha Graham School Graham-Technik, während die Martha Graham Dance Company und Graham 2 ihre Werke aufführen.^[3]

Die José Limón Dance Foundation bietet Ausbildungs- und Aufführungsmöglichkeiten, die Technik mit Repertoire verbinden, was bedeutet, dass Tänzer die Aufführung von Werken erlernen.^[27] Der Merce Cunningham Trust lehrt seine Technik und unterstützt die Weitergabe seiner Choreografie durch Workshops und Bildungslizenzen.^[9][28]

Bevor Sie einen Kurs auswählen, überprüfen Sie dessen Niveau und welche Technik darin gelehrt wird. Eine als modern bezeichnete Klasse kann einer Methode folgen oder sich auf mehrere Ansätze stützen.^[12] Beim Betrachten einer Aufführung können auch der Name des Choreografen und das Datum des Werks dabei helfen, es in diese weitreichende Tradition einzuordnen.

Häufig gestellte Fragen

Ist moderner Tanz eine Technik?

Nein. Moderner Tanz umfasst mehrere etablierte Techniken und eine anhaltende Tradition des Experimentierens. Graham- und Limón-Klassen gehen beispielsweise unterschiedlich an die Bewegung heran, obwohl beide zum modernen Tanz gehören.^[19][8]

Ist jeder moderne Tanz improvisiert?

Nein. Improvisation kann eine Möglichkeit sein, Bewegung zu entdecken, aber viele moderne Werke verfügen über eine sorgfältig festgelegte Choreografie. Sogar eine experimentelle Methode wie Cunninghams Einsatz des Zufalls kann eine Sequenz erzeugen, die Tänzer lernen und proben.^[2][21]

Ist moderner Tanz dasselbe wie zeitgenössischer Tanz?

Die Begriffe überschneiden sich. Moderner Tanz bezieht sich in der Regel auf die hier diskutierte historische Tradition und ihre etablierten Techniken. Zeitgenössischer Tanz ist oft eine umfassendere Bezeichnung für Arbeiten, die neben anderen Ansätzen auch auf modernen Tanz zurückgreifen. Die Beschreibung einer Klasse oder eines Unternehmens ist normalerweise informativer als die Bezeichnung allein.^[1]

Ist moderner Tanz dasselbe wie ISTD Modern Theatre?

Nein. Die Imperial Society of Teachers of Dancing (ISTD) verwendet Modern Theatre für einen Stil und einen Lehrplan, der im Musiktheater verwurzelt ist und unter anderem Jazz beeinflusst. Das unterscheidet sich vom modernen Tanz als historischer Konzerttanztradition.^[29]

Benötige ich ein bestimmtes Kostüm für den Unterricht?

Tragen Sie Kleidung, die Ihnen freie Bewegung ermöglicht, und befolgen Sie die Schuhempfehlungen des Lehrers. In einigen Kursen ist Barfußlaufen erforderlich, wie beispielsweise bei der Mark Morris Dance Group, aber die Anforderungen variieren je nach Schule.^[12]

Referenzen

1. University of Georgia. 2. Brief History – Ch.1 – Contemporary Modern Dance. https://open.online.uga.edu/contemporarymoderndance/chapter/briefhistory/
2. University of Washington. Mary Wigman. https://dance.washington.edu/people/mary-wigman
3. Martha Graham Dance Company. History. https://marthagraham.org/history/
4. Merce Cunningham Trust. Merce Cunningham. https://www.mercecunningham.org/about/merce-cunningham/
5. Smithsonian American Art Museum. Isadora Duncan. https://americanart.si.edu/blog/eye-level/2009/04/1013/isadora-duncan
6. Alvin Ailey Dance Foundation. Alvin Ailey, Founder. https://pressroom.alvinailey.org/alvin-ailey-american-dance-theater/directors/alvin-ailey
7. Numeridanse. Water Study. https://numeridanse.com/en/publication/water-study/
8. Alvin Ailey. Limón. https://ailey.org/classes/techniques/limon
9. Merce Cunningham Trust. Cunningham Technique. https://www.mercecunningham.org/the-work/cunningham-technique/
10. American Dance Festival. About ADF. https://americandancefestival.org/about/
11. Alvin Ailey. Horton. https://ailey.org/classes/techniques/horton
12. Mark Morris Dance Group. Modern Dance. https://markmorrisdancegroup.org/dance-center/adult-classes/modern-dance/
13. Martha Graham Dance Company. Lamentation (1930). https://marthagraham.org/portfolio-items/lamentation-1930/
14. Pittsburgh Ballet Theatre. A Brief History of Ballet. https://pbt.org/community/resources-audience-members/ballet-101/brief-history-ballet/
15. The New York Public Library for the Performing Arts. Costume worn by Loie Fuller. https://www.nypl.org/events/exhibitions/galleries/performance/item/5456
16. Library of Congress. Katherine Dunham: A Life in Dance. https://www.loc.gov/collections/katherine-dunham/articles-and-essays/katherine-dunham-a-life-in-dance/
17. Alvin Ailey Dance Foundation. Revelations. https://pressroom.alvinailey.org/alvin-ailey-american-dance-theater/repertory/revelations
18. The New York Public Library. Border Crossings: Exile and American Modern Dance, 1900–1955. https://www.nypl.org/press/new-york-public-library-performing-arts-presents-border-crossings-exile-and-american-modern
19. Martha Graham School. Summer Teacher Workshop. https://marthagraham.edu/summer-teacher-workshop/
20. Patrice Moniz, M-Intensive. The Graham Technique in 21 Movements. https://www.m-intensive.co.uk/asafeplacetobe/grahamtechniquemovement
21. Merce Cunningham Trust. Suite by Chance. https://www.mercecunningham.org/the-work/choreography/suite-by-chance/
22. TANZFONDS ERBE. The Witch Dance Project. https://tanzfonds.de/en/project/documentation-12-2015/the-witch-dance-project/
23. The Museum of Modern Art. Yvonne Rainer. Trio A. 1978. https://www.moma.org/collection/works/119867
24. Art Institute of Chicago. Joseph Schlichter Performing “Man Walking Down the Side of a Building” by Trisha Brown, 80 Wooster St.. https://www.artic.edu/artworks/239457/joseph-schlichter-performing-man-walking-down-the-side-of-a-building-by-trisha-brown-80-wooster-st
25. Trisha Brown Dance Company. Man Walking Down the Side of a Building. https://trishabrowncompany.org/repertory/man-walking-down-the-side-of-a-building.html
26. Victoria and Albert Museum. Diaghilev and the Ballets Russes. https://www.vam.ac.uk/articles/diaghilev-and-the-ballets-russes
27. José Limón Dance Foundation. Training Programs | Pro & Launch. https://www.limon.nyc/pro-launch
28. Merce Cunningham Trust. Educational Licensing. https://www.mercecunningham.org/licensing/educational-licensing/
29. Imperial Society of Teachers of Dancing. Modern Theatre. https://www.istd.org/dance/dance-genres/modern-theatre/